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Los buenos músicos poseen la capacidad de saber distinguir qué temas tienen alma de covereables. Como alguna vez comenté, no todas las canciones se entregan del mismo modo a ser versionadas. Hay algunas mucho más generosas que otras. Su espíritu es altruista: desde la misma composición existe algo desinteresado, una prodigalidad que permite que su melodía sea interpretada en miles de claves, ritmos, que su género sea reemplazado por otro, que su tempo sea modificado, o su textura totalmente alterada.

Yo creo que los músicos que practican arte son los que traen consigo la habilidad innata para saber exactamente dónde hay que lustrar al tema original para hacerlo brillar. Daniel Melero y Sebastián Escofet, encargados de versionar, arreglar e interpretar Splendido Splendente, parecen de este tipo. Desde que escuché por primera vez este cover (no conocía el original, grabado en 1979 por la italiana Donatella Rettore), debo reconocer que me quedó picando en la cabeza para escribir algo sobre su esplendidez bizarra.

La bondad del original (que en nuestros días no luce sino como un divertimento porque con el paso del tiempo solo puede ser leído en clave kitch) está muy bien explotada en la versión que hizo Melero para la película Muerte en Buenos Aires. El primer gran acierto es el darle otra vida a la línea del bajo. Su poder permanecía casi oculto en el original: había que asignarle un rol protagónico en el esqueleto de la nueva interpretación. ¿Cuál es la operación? Correrlo de la línea italo-pop (por momentos con guiños funkies) para llevarlo al terreno del synth-pop. Así, desde su estructura rítmica, uno puede decir que la versión suena a lugar común, a algo que en los ochentas ya hicieron todos (cosa que no evita, de cualquier modo, que movamos inmediantemente nuestro pie contra el suelo al escuchar las primeras notas). Pues bien, le falta el relleno, el ingrediente fino donde se nota la impronta de Melero/Escofet: una serie de entramados cambiantes compuestos por melodías breves y colchones de teclados que suenan en segundo plano. Como todo sabor delicado, se percibe al final; luego de una degustación atenta se desmenuzan las capas. Sobre esa red se mueve discreta y lúdicamente la voz de Casella, que nos recuerda que todo es una puesta en escena, pero que el histrionismo ya no es tan cool en 2014.

Acá les dejo también el original, para que comparen. Antención al minuto 0:30 y las peripecias del bajo y también a los coros femeninos (me dio pena que hayan perdido la centralidad que les imprime Donatella Rettore). ¡Solo apto para desprejuiciados!

Donatella Rittore:

Flowers Never Bend with Rainfall estaba en un casete de Simon and Garfunkel que vaya a saber de quién era. Quizá de mi papá o de algún tío. O tal vez se lo olvidó alguien un día y cayó en mis manos (como toda la música de la que era dueña en ese entonces, lo más probable es que se tratara de un trofeo secuestrado).

Aquello que escuchamos de chicos es lo que verdaderamente forja nuestro espíritu musical. En esas tardes en que yo no tenía nada más que hacer que tirarme en el piso y reproducir en mi equipo una y otra vez el escaso repertorio de casetes (y luego cds) que había en casa, fui moldeando, sin saberlo, mi esqueleto pop sobre el que luego se construiría todo lo demás. Con el tiempo, mi gusto se modificó. Se amplió y diversificó; conocí e investigué muchísimos géneros e intérpretes, y aprendí a disfrutar de todo tipo de música, pero mi corazón siempre va a vibrar en aquello que se conecta con mi niñez y adolescencia. Por eso supongo que me volvieron las ganas de escribir sobre esta canción o, mejor dicho, sobre cómo, independientemente del género y (me atrevo a afirmar) de la calidad de su compositor, un cover es la prueba de la mucha o poca bondad que tiene su original.

Y este tema tiene taaaaanto para ofrecer, que me sorprende que no haya sido más y mejor interpretado. (Por supuesto que no estoy contando los grupos "homenaje", esos fenómenos inexplicables que no se ocupan de versionar sino de copiar).

La particularidad de mi elección es que es en sí una versión de su propio autor. Es decir, el original fue grabado por Simon solista para el disco Paul Simon Songbook, y luego se volvió a hacer para el tercer álbum del dúo, Parsley, Sage, Rosemary and Thyme. Un segundo intento mejor que el primero.

El segundo intento, cantado a dos voces, gana fuerza a partir de dos recursos: el añadido rítmico (que le da cuerpo al esqueleto voz-guitarra y aceleran un poco el tempo) y el vocal (el contrapunto ayuda a quitarle cierta monotonía a la melodía de la principal).

Las otras versiones elegidas son las de Toast, una banda inglesa de finales de los 70 que pasó por la historia sin pena ni gloria, y la de la canadiense Francesca Belcourt que descubrí gracias a Soundcloud. Ninguna es, a mi parecer, una gran interpretación, pero sí creo que ambas ilustran mucho el potencial que tiene el tema y hacia dónde se puede disparar: desde un complemento orquestal que le aporta más lirismo hasta un minimalismo rítmico que pone en primer plano la hermosa línea melódica de la voz.

¿Conocen otras versiones?

Hace un tiempo comentaba en este blog que tengo una debilidad especial por los covers. En otro post ya fabriqué mi hipótesis: una buena versión es señal clara de una buena canción. Y cuando pienso en lo bueno, no solo hablo de calidad. Hay temas que se resisten a ser versionados y otros que se dejan generosamente. Cuando una canción se entrega y le entrega diversas posibilidades a otros intérpretes no hace sino demostrar su bondad.
Acá va una muestra de lo que para mí es una buena canción.

Video Kill The Radio Star
El original es un tema grabado en 1979 por el grupo inglés The Buggles. Se trata de una canción que en su letra habla de un cambio de paradigma. En su música también se aprecia un gesto de transformación: lo que comienza con una introducción propia de una balada romántica se convierte, quince segundos después, en un tema bailable; un ritmo disco inicial en el estribillo se muda a una cadencia pop con teclados a lo staccato. Y todo ocurre mientras proliferan los arreglos de teclados y coros femeninos.

La canción fue versionada muchísimas veces por todo tipo de grupos y solistas. La interpretación que me gusta para sostener la idea de la virtud de esta canción es la de Handsome Hank and his Lonesome Boys, un sexteto de Zurich , Suiza, que hace country y tiene un disco con versiones de temas clásicos del rock y del pop.
Del original, rescata la línea melódica principal y la armonía. Sin embargo, rompe con el ritmo pop, de compases de cuatro tiempos, para pasar al compás de dos del country. Este recurso le suma algo a la canción que resulta inesperado: el tono del bluegrass basado en ritmos rápidos y virtuosísimos, interpretados con mandolina, violín y banjo. Fiel a este estilo, la parte vocal es armonizada en dúo o a veces en trío, siempre con una línea muy alta que le imprime ese sonido desgarrado tan característico del "high lonesome sound". Es en este punto donde la versión no solo logra rescatar algo de la melancolía que subyace al espíritu original sino que además la proyecta y amplifica. Una buena versión de una buena canción.

Acá las dejo. Después me cuentan

Hace algunos días inauguré la sección covers con un post sobre "Only Love Can Break Your Heart". Había pensado que podía escribir esporádicamente sobre versiones que me llamaran la atención, pero la verdad es que sospechaba con miedo que, por mi inconstancia, el intervalo entre entrega y entrega pudiera poner en peligro el concepto "sección".

Sorprendentemente, aquí estoy de nuevo con esto. Como diría mi yaya: "se conoce que a esta chica el tema le apasiona". Volví a la carga con otro clásico: "I Wanna Be Sedated", originalmente compuesto por Los Ramones (parece que Joey se había quemado con agua hirviendo y durante el padecimiento en el hospital se mandó esta canción). En una entrevista, Joey la define como una "road song" (Twenty-twenty-twenty four hours to go, I wanna be sedated Nothin' to do, no where to go, I wanna be sedated) y este concepto es el que me sirve para hilvanar la versión que elegí para comparar. Es la que interpreta el grupo Two Tons of Steel en su álbum del 2000 King of a One Horse Town.
¿Cuál es la modificación introducida por Two Tons of Steel? Bueno, en este caso sobresale bastante:¡le cambiaron el género! Se trata de una versión country. A mi parecer, el mérito de esto es que si uno le presta atención al tema de Two Tons of Steel, siente que los tipos captaron algo del alma del original (la primera vez que la escuché, sentí que la canción podría haber sido perfectamente un tema country). Me encanta esta versión: me traslada a un bar yanqui al costado de la ruta, con hombres que usan sombrero de cowboy y mujeres gorditas mal vestidas con camisas espantosas. Y es curioso, porque no me gusta para nada la música country. Se las dejo para escuchar y también algunos links de interés.

- En este blog, alquien más se entusiamó con "I Wanna Be Sedated". Algunos links caducaron, pero otros no (por ejemplo, el de Wilco)

- Acá hay más data sobre la cantidad de versiones que existen del tema.

- Si quieren bajarse la versión de Two Tons of Steel, pueden hacerlo legalmente desde su página, en este link.

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Siempre tuve debilidad por los covers. Desde muy chica. Muchas veces, sin siquiera tener conciencia de esto. "You were allways on my mind", "Dancing in the street"´, "Twist and Shout", "The house of the rising sun", "Venus (Shocking blue)", "Caravan of Love" y "Tainted Love", y un largo etcétera. ¡Vamos! ¿Nunca les pasó eso de enterarse de que aquel tema que tanto les gustaba era una versión de un original que desconocían y que les resultaba mucho más pobre (o, bueno, quizás lo contrario)?

Últimamente se me dio por pensar que una de las formas de comprobar (sí, amigos, me he convertido en detective policial) cuán buena es una canción consiste en rastrear de qué modo se entrega o se resiste a ser versionada. Muchas veces decimos que un cover es mejor que el original como si esto fuera exclusivamente mérito de la interpretación, sin pensar en que la canción en sí (independientemente del maravilloso o repulsivo sujeto que la esté representando) algún potencial, evidentemente, contiene.

Por supuesto que cuando hablo de covers, no me refiero a bandas o solistas que se dedican exclusivamente a reproducir temas de sus grupos favoritos. Esas imitaciones son meras repeticiones y no me interesan. Los grupos "homenaje a" me resultan algo incomprensible (si descontamos el factor económico de por medio, obvio).

Un verdadero cover es una versión, en tanto interpretación personal y deformación de un original que resalta u oculta ciertos rasgos. Es una parodia, no en la acepción más amplia del término que denota burla o ironía, sino en el sentido de un proceso que consiste en una elección de alguna/s característica/s y la modificación de su estatus en el original. Como resultado, podemos obtener algo empobrecido o algo enriquecido, pero nunca algo igual. Por otra parte, la discusión que se puede enunciar en términos "es mejor el original vs. es mejor el cover" no es algo que me interese demasiado porque, en definitiva, se disuelve reemplazando el sintagma "es mejor" por "a mí me gusta más".
Lo que realmente me atrae es ver cuáles son los cambios que se producen en la estructura de un tema versionado y a dónde nos conducen. Así que aquí va mi "primer caso".

La pieza que abre esta sección es "Only love can break your heart", compuesta en 1970 por Neil Young y editada en el album After the Gold Rush. Para mí, representa casi la perfección de la canción romántica que no necesita violines ni orquestas para conmover. Su poder radica en la melodía de la voz y en la combinación del piano y la guitarra acentuando cada tiempo.

En 1992 el grupo inglés Saint Etienne se mandó una versión que modificaba bastante la esencia del tema que pasó de "balada" a "bailable". A muchos seguidores de Young les resultará una porquería atómica, lo sé, pero a mí me gusta (de distinta manera que el original, obviamente). Además, anticipándome a la indignación generalizada, aclaro que lo que yo defiendo es la genialidad del original.

¿Qué es lo que hicieron estos muchachos con el tema? Básicamente, le cambiaron el tipo de compás, que es aquello que permite dividir la música en tiempos. ¿Y qué lograron? Bueno, si escuchan atentamente a Young, notarán algo así como un ritmo similar al del vals (cada tres tiempos hay un énfasis) y que cada palabra de su voz está acompañando a cada uno de esos tiempos: "WhEn yoU wEre yoUng And On yoUr Own..." Esto es algo que genera una percepción de lamento entrecortado, casi que lo vemos al pobre tipo implorando nostálgico el regreso de algo irrecuperable. Y no sé en ustedes, pero en mi caso funciona. Lo confieso: es una canción útil para torturarse cuando uno está mal de amores.

Los Saint Etienne no necesitaban ese efecto porque querían que la gente se moviera un poco, así que cambiaron a un compás de 4 tiempos: el un, dos, tres, cua, un, dos, tres, cua... del pop. Y al hacer esto, tuvieron que modificar el fraseo de la voz, porque la frase entera del original quedaba larga. Así que alargaron un poco las notas, adaptaron su duración a otro tipo de compás y las ligaron: las percibimos unidas, con menos respiración entre ellas. Lo interesante es que, a pesar de esto, el tema nunca perdió su "saudade" original no solo porque la letra continúa transportándonos al mismo lugar, sino también porque el canto femenino suena lejano, suave y dulce.Bueno, sin más análisis aquí están los dos. Pueden bajarlos desde acá (haciendo click en el más) o escucharlos directamente en el reproductor de abajo.

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